O mnie, sztuce i artystach
Sztuka od zawsze była dla mnie czymś więcej niż tylko medium czy przekazem — była lustrem, pamięcią i językiem tego, czego nie potrafię wyrazić słowami.
W każdej swojej formie — czy to płótno, pigment, gest — pozwala mi eksplorować napięcie między surowym emocjonalnym przekazem a wyrafinowaną estetyką. Moje prace przemawiają do tych, którzy czują głęboko, lecz cenią elegancję w wyrazie. To sztuka intymna, wielowarstwowa, cicha, ale pełna mocy — tworzona z myślą o miłośnikach sztuki i przestrzeniach, w których obecność znaczy więcej niż hałas.
Kilka lat temu publikowałam eseje kulturalne i refleksje w WorldGuide.eu — międzynarodowym magazynie poświęconym sztuce świadomego życia. Choć nie jest już wydawany, jego duch kuratorskiej wrażliwości i piękna wciąż kształtuje moje podejście — zarówno jako artystki, tak i opowiadaczki historii. Niektóre ze wspomnianych artykułów są przedstawione poniżej.
Dla mnie sztuka to nie rola. To sposób istnienia. Soczewka, przez którą spotykam świat — w całej jego ciszy, ogniu, delikatności i formie.
Fashion Rebels: Yves Saint Laurent and the power woman
How Saint Laurent transformed men’s wear into women’s “power suits”
Copyright © 2025 Art4Love Gallery
Yves Saint Laurent had worked for the Dior company since he was 18 years old. Christian Dior believed in his young assistant so strongly that just some years later, in 1957 when he went on vacation, he did so with a light heart, saying to his sales director that he was going away without any worries, because he was leaving the company with Saint Laurent.
The debut collection by Yves Saint Laurent, which included the renowned trapeze dress, was so well received that newspaper headlines heralded that Saint Laurent had saved France and the great Dior tradition would continue. It also drove Dior sales up by 35 percent.
Nevertheless, Her Royal Majesty Fashion had other plans for the gifted designer, much better than working for somebody, even if the „somebody” was legendary. In the 60s, Saint Laurent was befriending everyone, from Oscar winners to the Duchess of Windsor. The reason for that was because he was creating his own label, which he had decided to set up with his lover and business partner Pierre Bergé.
While Coco Chanel gave women the little black dress, Yves Saint Laurent gave them the option to leave it at home. He transformed men’s wear into women’s “power suits” in 1966. Due to his promotion of the beatnik look, we know safari jackets and thigh-high boots. His Mondrian print dress is the art in fashion and some weeks ago I saw it on offer in a trendy boutique. His trench coat is so classy that it’s difficult to replace it with something more elegant and assertive at the same time. He aimed at popularisation of fashion very much and was the first French designer to use ethnic models on the catwalks and to sell ready-to-wear collections. After his magnificent 40-year fashion career with thousands of amazing pieces, he said that what was important in a dress is the woman who was wearing it.
Unfortunately, the success and fame didn’t help him evolve, or maybe it was too much pressure upon the sensitive nature of the couturier. His survival owed much to Pierre’s support.
“When you have a relationship with an alcoholic, a drug user, you are forced to have very difficult relations,” Bergé told the New York Times in 2011. It marked his first interview after Yves Saint Laurent’s death from brain cancer in 2008.“What can we do? Nothing. Just accept the fact. To try t.o help, yes, which I did, with not much success, but I did it.”
About the history of modern art and fashion...
The official opinion about when the era of modern art (also known as contemporary art) began is that it happened in the 1960s, although some art critics state that it started a century earlier, in the 1860s, when the period of impressionism began. This opinion is supported with statement that during this period the artists began shifting away from the norms and started trying to change the world with their creation. Another opinion in regard to the beginning of contemporary art era is the time of creation of Kazimir Malevich’s Black Square. All these statements are disputable, but they have something in common – they all are related to moments when something new was introduced, something that made the new era’s art different. What was this ‘something’?
1. Experiments
During the whole course of history art tended to imitate the surrounding world: from portraits of historical persons to illustrations for Greek myths and Biblical plots and everyday scenes – most pieces were dedicated to something that already existed and obeyed the classic scheme of composition. So to say, the art mainly was a mirror of the world. But then artists began experimenting in order to find out what could happen if something was missing (this is why the art of the beginning of the XX century is sometimes called “the art of absence”): for instance, the reality (like in Salvador Dali’s paintings, where the realistic details form odd landscapes and scenes resembling dreams), the colour (like in the already mentioned Malevich’s paintings) or the composition itself (like in Jackson Pollock’s works). As they say, the results surpassed all expectations.
2. Unique vs. everyday
Another important moment in the history of contemporary art was the mix-up of unique and everyday things. The brightest example of it is Marcel Duchamp’s Fountain, which is basically an everyday item (a porcelain urinal) transformed into a sculpture by being signed. The same can be said about Andy Warhol’s Campbell’s Soup Cans, which is one of the signature pop art pieces.
3. Technical diversity
We usually imagine brushes and paints, or pencils at least, when talking about art, and it makes us feel a little uncomfortable when artists use the newest technical devices in their work. It can be referred to photography, which reached its peak in 1970s-1980s and showed that everyday life contains much more emotional and strong moments than it is believed to contain. Tendency to use the latest achievements of technical sphere shows itself nowadays as well, although in a slightly different way for most people: using the Internet, one may go to the online gallery of almost any museum in the world and see the works of all periods of history. No talking about 3D art, which allowed showing the same image in completely different styles: from sepia to phantasmagoric.
4. Combining what cannot be combined
In all, the modernistic era was strange because its representatives… well, they did not end in vain, but they did not state almost anything certain. Therefore, the postmodernistic artists could not resume the modernistic traditions (because there actually were not any) or return to classics, so they decided to use what they already had. Globalization was due in no small part to it, so the observers became part of the art – the brightest example is installations, in which anybody is able to take part. Another peculiar example of combining what cannot be combined is hyperrealism, represented by pencil drawings which sometimes look even better than photos. We got used that pencils are used mostly by children and for sketching, but have we expected that they can be used to create such things? The third important aspect in which combining what cannot be combined is used is reflecting the world’s problems – from family violence to global warming. The main purpose of combining the incongruous here is shocking and making you think.
5. Commercial part
One, two, three, SOLD! Let’s be realistic: contemporary art wouldn’t be the same if it were not for public sales and availability of their results. The works like those by the aforementioned Andy Warhol and Jackson Pollock may be interpreted in various ways, but it is often forgotten that they were sold for fabulous prices. The matter is that today the main investors and supporters of artistic activity are the collectors of artistic pieces, but this also caused the tendency of unpredictability. Nobody knows what kind of art is going to be appraised tomorrow. But there’s a positive side to this as well: museums and art galleries are also the supporters of artistic activity, for they are able to benefit from working with artists and increase, for instance, the flow of tourists to certain place. This stimulates the emerging artists to mature and work to get their place in the art history. Besides, online galleries are able to help them find balance between their preferred kinds of art and earning for a living.
Anyway, the world of contemporary art lives on, and not least due to possibility of buying art online and therefore supporting its creators. Nowadays getting feedback about the artworks is much easier than even 30 years ago, so your opinion about this online gallery is really appropriated! As well as learning about the newest art programs and emerging artists, so your word about the works by Strygaczowa will make her really happy! And after so many reasons it can be positively stated that the downfall of art is not going to happen and you are more than welcome to support art in all kinds of ways.
Kilka myśli na temat rodzajów sztuki współczesnej...
Sztuka współczesna (niezależnie od tego, czy możemy sobie na nią pozwolić (affordable art), czy nie) ma kilka cech charakterystycznych. Pierwszą z nich jest to, że trudno ją sklasyfikować. Być może dlatego, że zawsze łatwiej jest klasyfikować przeszłość i ustalić pewne granice czasowe. Natomiast wskazanie jej typów jest również możliwe. Następną cechą jest to, że dzisiejsza sztuka powstaje tu i teraz, i opis jej typów jest w stanie to udowodnić.
1. Anamorfoza
Anamorfoza to tworzenie obrazów, które są widoczne tylko w określonych warunkach. Należą do nich rysunki pęknięć lub basenów na ulicach, napisy na ścianach malowane w taki sposób, że ich elementy można zauważyć pod pewnym kątem; obrazy na talerzach, które wydają się abstrakcyjne, aż do momentu, póki nie odbijają się od umieszczonych na nich kubków lustrzanych przeznaczonych do takich talerzy etc. Takie obrazy są często oglądane w galeriach internetowych, ich „abstrakcyjne” i „poprawne” oglądanie jest pokazane obok siebie.
2. Fotorealizm/hiperrealizm
Ten rodzaj sztuki odzwierciedla dążenie do tego, aby malowane lub rysowane dzieła sztuki (a czasami rzeźby lub obraz od artysty w formie cyfrowej) były lepsze od zdjęć. Aby uczynić je jak najbardziej realistycznymi, drobne szczegóły, które zazwyczaj są ignorowane, celowo się podkreśla. Prace należące do tych kierunków są zazwyczaj tworzone w celu zwrócenia uwagi publiczności na problemy społeczne i kulturowe lub skomentowania ich w jakiś sposób.
3. Tworzenie obrazów 3D
Ten rodzaj sztuki jest czymś w rodzaju przeciwieństwa do poprzedniego. Jego sens polega na tworzeniu kompozycji z rzeczywistych przedmiotów i ludzi, a następnie nakładaniu na nie farb lub makijażu, aby upodobnić je do malowanych przedmiotów. Oczywiście, takie prace nie mogą pozostać „żywe” na długo, dlatego są fotografowane i pokazywane w galeriach internetowych. Dotyczy to również malowania złudzeń optycznych, takich jak realistyczne rysunki twarzy lub iluzje body art.
4. Instalacje
Instalacje są dziełami sztuki, które angażują również widzów, często wykorzystujących gotowe materiały (przedmioty naturalne, przedmioty codziennego użytku itp.) połączone w określony sposób. Ze względu na możliwość oglądania pod różnymi kątami zawierają one „grę zmysłów” (możliwość nadania im różnego znaczenia). Niektóre z nich zawierają filmy wideo, co sprawia, że są powiązane z kinematografią: na przykład fragmenty filmów są wyświetlane na przedmiotach lub ścianach. Co daje nam możliwość zaliczyć ten rodzaj sztuki również do affordable art.
5. Sztuka cieni
Jest to tworzenie pewnych rodzajów cieni poprzez konstruowanie pozornie abstrakcyjnych kształtów z dowolnych możliwych materiałów (być może czytałeś o tym w „Fight Clubie” Chucka Palahniuka, jest tam taki epizod, w którym Tyler Durden tworzy cień wielkiej ręki za pomocą kłód). Najczęściej takie dzieła zajmują się tematyką środowiskową i społeczną (jak cienie wymarłych zwierząt wykonane przez postaci z plastikowych butelek i śmieci, przedstawiające skutki zanieczyszczenia środowiska), choć niektóre z nich tworzą prace o tematyce ze znanych horrorów lub są po prostu bajkowe.
6. Sztuka podziemna
Ten rodzaj sztuki obejmuje różne jej rodzaje, a nie tylko znane graffiti. Obecnie jest to również tzw. graffiti odwrotne, kiedy obraz od artysty powstaje na brudnych ścianach, gdzie nie ma brudu tylko w określonych miejscach, właśnie tam powstają dzieła. Wiąże się to również z readymade (używaniem przedmiotów codziennego użytku do tworzenia dzieł artystycznych lub pokazywaniem ich jako takich) i wspomnianą już wyżej anamorfozą; w sumie może to być niemal wszystko, co zazwyczaj wiąże się z życiem ulicznym i sprawia wrażenie prawie nielegalnego. W każdym razie „prawie” nie oznacza, że taka sztuka jest nielegalna: praktycznie wszyscy zgodziliby się, że ściany i ogrodzenia ze wspaniałymi obrazami tworzonymi najczęściej za pomocą sprayu mogą (od tych odzwierciedlających problemy społeczne do ilustrujących historię miejsca, w którym się znajdują) wyglądać znacznie lepiej niż zwykłe szare ściany. Poza tym wiele wschodzących gwiazd sztuki współczesnej rozpoczynało swoją karierę od sztuki undergroundowej, dlatego że właśnie taka sztuka jest naprawdę „affordable art” i nie ma osoby, która by z przyczyn finansowych nie mogłaby ją docenić.
7. Niezwykłe rzeźby
W dzisiejszych czasach nie tylko kamień, drewno czy metal są wykorzystywane jako materiały do rzeźb. Sztuka tworzenia rzeźb z piasku i lodu stała się ostatnio bardzo popularna, przede wszystkim dlatego, że można je utrwalić na dłużej za pomocą specjalnych mieszanek. Piasek i lód są również bardzo delikatnymi materiałami, co oznacza, że pozwalają one na dodanie większej ilości szczegółów podczas „rzeźbienia”. Poza tym, niektórzy artyści używają przedmiotów codziennego użytku (plastikowe butelki lub opakowania), do tworzenia swoich dzieł: na przykład gigantycznych figurek ryb (kolejny hołd w stronę tematów ekologicznych).
Wymieniliśmy podstawowe i najbardziej znane rodzaje sztuki współczesnej. Wracając do stwierdzenia, że sztuka nowoczesna tworzona jest tu i teraz, śmiało można ją zaliczyć do affordable art, no i oczywiste jest niezbyt długotrwała. Dlatego większość takich dzieł pozostaje tylko na zdjęciach i w galeriach internetowych, gdzie może podziwiać je szeroka publiczność. Jeśli chodzi o prace tworzone w bardziej „klasyczny” sposób, to takie dzieła również można kupić online, ale już nie zawsze są to „affordable artworks”.
Tak czy inaczej, kolejną cechą szczegółową sztuki współczesnej jest to, że nie istniałaby ona bez nowoczesnych technologii i galerii internetowych. I tu warto wspomnieć, że w galerii Art4Love.pl można kupić obrazy, które mogą przetrwać nawet setki lat, ponieważ są wykonane w sposób bardzo tradycyjny, czyli są ręcznie malowane, dlatego nawet Twoje wnuki będą mogły je podziwiać.
Nowoczesna Galeria Art a doba interaktywności:
zagrożenia i możliwości
Copyright © 2025 Art4Love Gallery
W epoce cyfrowej transformacji sztuka – podobnie jak inne dziedziny życia – staje przed wyzwaniem redefinicji swojej roli. Galeria Art, jako symbol współczesnej instytucji wystawienniczej, coraz częściej sięga po narzędzia interaktywne, by dotrzeć do nowego, globalnego odbiorcy. Choć ta zmiana niesie wiele możliwości, rodzi również istotne zagrożenia, które warto uważnie przeanalizować.
Możliwości: większy zasięg i nowe formy wyrazu
Dzięki technologii współczesna galeria sztuki może istnieć nie tylko jako fizyczne miejsce, ale również jako platforma online. Wirtualne wystawy, aplikacje mobilne, interaktywne katalogi, a nawet rozszerzona (AR) i wirtualna rzeczywistość (VR) pozwalają na dostęp do dzieł z dowolnego miejsca na świecie. To otwiera przed artystami i kuratorami nowe możliwości narracyjne oraz ekspresyjne. Publiczność nie tylko ogląda – może uczestniczyć, komentować, współtworzyć.
Interaktywność sprzyja również edukacji. Widz zyskuje szansę na głębsze zrozumienie dzieła dzięki kontekstowym informacjom, filmom, wywiadom z twórcami. Na chwilę obecną Galeria Art staje się przestrzenią dialogu, a nie jednostronnej kontemplacji.
Zagrożenia: powierzchowność i utrata autentyczności
Jednak za nowymi technologiami kryją się także pułapki. Interaktywność może prowadzić do spłycenia kontaktu ze sztuką. Przewijanie dzieł na ekranie czy szybkie „kliknięcia” w multimedialne elementy mogą zastąpić głęboką refleksję, skupienie i emocjonalne przeżycie. Nowoczesna Galeria Art ryzykuje, że stanie się tylko „atrakcją” – kolejnym elementem cyfrowego scrollowania.
Kolejnym wyzwaniem jest autentyczność dzieła. Czy dzieło sztuki oglądane na ekranie może być równie poruszające jak to oglądane na żywo? Czy cyfrowe odtworzenie struktury farby, skali czy światła może oddać ducha oryginału? Wiele galerii balansuje między chęcią upowszechniania sztuki a dbałością o jej prawdziwą wartość.
Przyszłość galerii w świecie interakcji
Teraz, w dobie interaktywności, nasza Galeria Art, jak i reszta innych, stoi na rozdrożu. Można iść drogą komercjalizacji i szybkiej, efektownej prezentacji, lub postawić na świadome łączenie nowych narzędzi z tradycyjną misją galerii: kształcenia wrażliwości, pobudzania myślenia i budowania więzi z kulturą.
Interaktywność to nie tylko technologia – to przede wszystkim sposób prowadzenia dialogu z odbiorcą. Jeśli zostanie wykorzystana z szacunkiem dla sztuki i widza, może uczynić galerię sztuki przestrzenią bardziej otwartą, angażującą i inspirującą niż kiedykolwiek wcześniej.
The Modern Art Gallery and the Era of Interactivity:
Risks and Opportunities
Copyright © 2025 Art4Love Gallery
In the era of digital transformation, art—like many other areas of life—faces the challenge of redefining its role. The art gallery, as a symbol of the modern exhibition institution, increasingly turns to interactive tools to reach a new, global audience. While this evolution offers many opportunities, it also presents significant risks that should be carefully considered.
Opportunities: Greater Reach and New Forms of Expression
Thanks to technology, the contemporary art gallery can exist not only as a physical space but also as an online platform. Virtual exhibitions, mobile applications, interactive catalogs, and even augmented (AR) and virtual reality (VR) enable access to artworks from anywhere in the world. This opens up new narrative and expressive possibilities for artists and curators. The audience doesn’t just observe—they can participate, comment, and co-create.
Interactivity also enhances education. The viewer gains a chance to engage more deeply with the artwork through contextual information, videos, and interviews with the creators. At present, the art gallery is becoming a space for dialogue rather than a site of passive contemplation.
Risks: Superficiality and Loss of Authenticity
However, new technologies come with their own set of pitfalls. Interactivity may lead to a more superficial engagement with art. Scrolling through artworks on a screen or quickly clicking on multimedia elements can replace deep reflection, focus, and emotional experience. The modern art gallery risks becoming merely another “attraction”—just one more element in the endless digital scroll.
Another challenge is the authenticity of the experience. Can an artwork viewed on a screen be as moving as one seen in person? Can a digital representation of brushstrokes, scale, or lighting truly convey the spirit of the original? Many art galleries are caught between the desire to broaden access and the responsibility to preserve the genuine essence of the artwork.
The Future of the Art Gallery in an Interactive World
Now, in the age of interactivity, our art gallery—like many others—stands at a crossroads. One path leads toward commercialization and quick, flashy presentations; the other involves consciously integrating new tools while remaining faithful to the traditional mission of the gallery: nurturing sensitivity, encouraging thought, and fostering a connection with culture.
Interactivity is not just about technology—it is, above all, a method of dialogue with the audience. When approached with respect for both the artwork and the viewer, it can transform the art gallery into a space more open, engaging, and inspiring than ever before.
Jaka prywatna galeria art jest
najbardziej prestiżową na świecie?
Copyright © 2025 Art4Love Gallery
Na ten moment, to Hauser & Wirth.
🏆 Dlaczego mianowicie Hauser & Wirth?
- Globalny zasięg i wielkość
Założona w 1992 roku przez Iwana, Manuelę Wirth i Ursulę Hauser, ta galeria art posiada dziś aż 17 lokalizacji – od Los Angeles, przez Londyn, Zurych, aż po Menorcę i Monako.
- Topowi artyści i estetyki
W portfolio tej galerii art ponad 100 artystów i ich funduszy – w tym tacy jak Mark Bradford, Louise Bourgeois, Philip Guston, George Condo czy Pipilotti Rist .
- Model hybrydowy: sztuka + gościnność
Ta galeria sztuki łączy wystawy z przestrzenią kulinarno-hotelową: Artfarm w Somerset, hotel Fife Arms w Szkocji, restauracje i sklep z lokalnymi produktami – tworząc doświadczenie jak w instytucji publicznej, ale w prywatnym wydaniu.
- Nowatorska i zrównoważona działalność
Hauser & Wirth wdraża strategie ekologiczne: redukcja emisji CO2, raporty klimatyczne (m.in. wystawa Gustav Metzger w 2021 r.), współpraca z inicjatywami artystów-obrońców środowiska.
Podsumowanie
Chociaż Gagosian Art Gallery (konkurencyjna galeria sztuki) może mieć większe obroty i więcej miejsc, Hauser & Wirth wyróżnia się:
innowacyjnym modelem łączącym wystawy i aktywności publiczne,
znaczącą skalą działania,
dbałością o zrównoważony rozwój i społeczny charakter działalności.
Dzięki temu jest dziś uznawana za wiodącą prywatną galerię art na świecie, a jej model wpływa na przemysł i zwiększa prestiż w międzynarodowym środowisku artystycznym.
Some BLOG thoughts about ART
Copyright © 2025 Art4Love Gallery
Perhaps each of us has wondered at least once WHAT ART IS. There are infinite options, but most often this question is answered this way: art is a way of expressing oneself. And usually it is associated with all things spiritual. Therefore, another question arises: WHY SHOULD ART IS PURCHASED? Especially in our modern world, where practically everything – from exotic places to treasures of the past – can be seen online and online galleries are countless? This question seems senseless, at least at first sight. But let’s dig a little deeper and find some reasons for buying art online. And maybe, after the reading of this article, you decide to buy some pieces by this emerging artist… ;+)
The name is unfamed now, but who knows, maybe in some years ONLINE GALLERY BY STRYGACZOWA will be THE TRENDIEST ONE… Life is a box of chocolates. Let’s TALK ABOUT THE REASONS:
1. Colours
The language of colours is universal and independent of the cultural and language barriers. For example, red is mostly associated with energy, rage, bravery or aggression, while blue is able to make you calmer or to concentrate, although it also has a hue of sadness. Why don’t you add some colour to your life, or at least to the place where you spend most time? Observing a colourful art piece against neutral surroundings may prove to be pleasant and help your thoughts avoid being stuck.
2. Encouragement
There are stereotypes that an artist is to be hungry and that a good artist is able to create something outstanding out of rubbish. And these stereotypes still stand strong no matter how senseless they are. Creation of art is not always enjoyable, because, just as any other work, it requires will power, time and patience, as well as good materials. And, as we all know, those are not cheap. By buying the artist’s works you encourage them to create more, and it is unknown what is more important for them – money or knowing that somebody likes their creations.
3. Genuineness
The original art, no matter to what movement it belongs, is always genuine.
First, the original piece literally carries the artist’s touch – those little moments that are seen to the artist only: from selection of materials to manner of using them. It can be compared with handwriting. You will most probably agree that a printed copy of an art piece is nothing compared to the original one and that even the copy made using the same materials, but by a different person, is an imitation and does not carry all the intended details. The real art piece is one of a kind.
4. Memory
As Shota Rustaveli said, “what you have hidden is lost, but what you have given is yours”. Many artists, some of them not even realizing it, are determined to leave their track in this world using their creations. Purchasing a piece of art gives hope that its creator will be remembered.
5. Investment
There are many stories about treasures found in most ordinary places, from basements to attics. For example, the small XIII-century painting Christ Mocked by Italian artist Cimabue was found in a house and then sold for 24,000,000 Euros. As about modern art created by young aspiring artists, you never know what is going to happen to it, so purchasing a piece by them may prove to be an efficient long-term investment. Why cannot you find a treasure created by a local artist?
6. Customization
Nowadays many artists create their pieces on a by-order basis, so you can order the plot, style, colours and details in order for the piece to fit in your environment. And, using the modern technologies (from online galleries to e-shops), it has become even easier to agree upon the time and price, so you can plan your schedule and budget and add a bit of art to your life at the same time.
All these reasons can be applied to purchasing art from my online gallery, emphasizing that the ORIGINAL AND SIGNED ART IS BOUGHT HERE. The pieces can be sent wherever you want to get them. The UPS service is operating all over the world, so all you have to do is to make your decision and letting me know.
