Artystka
Leading Artist & Designer
BLOG o sztuce i artystach
BLOG about ART & ARTISTS
Some BLOG Thoughts about the history of modern art...
The official opinion about when the era of modern art (also known as contemporary art) began is that it happened in the 1960s, although some art critics state that it started a century earlier, in the 1860s, when the period of impressionism began. This opinion is supported with statement that during this period the artists began shifting away from the norms and started trying to change the world with their creation. Another opinion in regard to the beginning of contemporary art era is the time of creation of Kazimir Malevich’s Black Square. All these statements are disputable, but they have something in common – they all are related to moments when something new was introduced, something that made the new era’s art different. What was this ‘something’?
1. Experiments
During the whole course of history art tended to imitate the surrounding world: from portraits of historical persons to illustrations for Greek myths and Biblical plots and everyday scenes – most pieces were dedicated to something that already existed and obeyed the classic scheme of composition. So to say, the art mainly was a mirror of the world. But then artists began experimenting in order to find out what could happen if something was missing (this is why the art of the beginning of the XX century is sometimes called “the art of absence”): for instance, the reality (like in Salvador Dali’s paintings, where the realistic details form odd landscapes and scenes resembling dreams), the colour (like in the already mentioned Malevich’s paintings) or the composition itself (like in Jackson Pollock’s works). As they say, the results surpassed all expectations.
2. Unique vs. everyday
Another important moment in the history of contemporary art was the mix-up of unique and everyday things. The brightest example of it is Marcel Duchamp’s Fountain, which is basically an everyday item (a porcelain urinal) transformed into a sculpture by being signed. The same can be said about Andy Warhol’s Campbell’s Soup Cans, which is one of the signature pop art pieces.
3. Technical diversity
We usually imagine brushes and paints, or pencils at least, when talking about art, and it makes us feel a little uncomfortable when artists use the newest technical devices in their work. It can be referred to photography, which reached its peak in 1970s-1980s and showed that everyday life contains much more emotional and strong moments than it is believed to contain. Tendency to use the latest achievements of technical sphere shows itself nowadays as well, although in a slightly different way for most people: using the Internet, one may go to the online gallery of almost any museum in the world and see the works of all periods of history. No talking about 3D art, which allowed showing the same image in completely different styles: from sepia to phantasmagoric.
4. Combining what cannot be combined
In all, the modernistic era was strange because its representatives… well, they did not end in vain, but they did not state almost anything certain. Therefore, the postmodernistic artists could not resume the modernistic traditions (because there actually were not any) or return to classics, so they decided to use what they already had. Globalization was due in no small part to it, so the observers became part of the art – the brightest example is installations, in which anybody is able to take part. Another peculiar example of combining what cannot be combined is hyperrealism, represented by pencil drawings which sometimes look even better than photos. We got used that pencils are used mostly by children and for sketching, but have we expected that they can be used to create such things? The third important aspect in which combining what cannot be combined is used is reflecting the world’s problems – from family violence to global warming. The main purpose of combining the incongruous here is shocking and making you think.
5. Commercial part
One, two, three, SOLD! Let’s be realistic: contemporary art wouldn’t be the same if it were not for public sales and availability of their results. The works like those by the aforementioned Andy Warhol and Jackson Pollock may be interpreted in various ways, but it is often forgotten that they were sold for fabulous prices. The matter is that today the main investors and supporters of artistic activity are the collectors of artistic pieces, but this also caused the tendency of unpredictability. Nobody knows what kind of art is going to be appraised tomorrow. But there’s a positive side to this as well: museums and art galleries are also the supporters of artistic activity, for they are able to benefit from working with artists and increase, for instance, the flow of tourists to certain place. This stimulates the emerging artists to mature and work to get their place in the art history. Besides, online galleries are able to help them find balance between their preferred kinds of art and earning for a living.
Anyway, the world of contemporary art lives on, and not least due to possibility of buying art online and therefore supporting its creators. Nowadays getting feedback about the artworks is much easier than even 30 years ago, so your opinion about this online gallery is really appropriated! As well as learning about the newest art programs and emerging artists, so your word about the works by Strygaczowa will make her really happy! And after so many reasons it can be positively stated that the downfall of art is not going to happen and you are more than welcome to support art in all kinds of ways.
Kilka myśli na temat rodzajów sztuki współczesnej...
Sztuka współczesna (niezależnie od tego, czy możemy sobie na nią pozwolić (affordable art), czy nie) ma kilka cech charakterystycznych. Pierwszą z nich jest to, że trudno ją sklasyfikować. Być może dlatego, że zawsze łatwiej jest klasyfikować przeszłość i ustalić pewne granice czasowe. Natomiast wskazanie jej typów jest również możliwe. Następną cechą jest to, że dzisiejsza sztuka powstaje tu i teraz, i opis jej typów jest w stanie to udowodnić.
1. Anamorfoza
Anamorfoza to tworzenie obrazów, które są widoczne tylko w określonych warunkach. Należą do nich rysunki pęknięć lub basenów na ulicach, napisy na ścianach malowane w taki sposób, że ich elementy można zauważyć pod pewnym kątem; obrazy na talerzach, które wydają się abstrakcyjne, aż do momentu, póki nie odbijają się od umieszczonych na nich kubków lustrzanych przeznaczonych do takich talerzy etc. Takie obrazy są często oglądane w galeriach internetowych, ich „abstrakcyjne” i „poprawne” oglądanie jest pokazane obok siebie.
2. Fotorealizm/hiperrealizm
Ten rodzaj sztuki odzwierciedla dążenie do tego, aby malowane lub rysowane dzieła sztuki (a czasami rzeźby lub obraz od artysty w formie cyfrowej) były lepsze od zdjęć. Aby uczynić je jak najbardziej realistycznymi, drobne szczegóły, które zazwyczaj są ignorowane, celowo się podkreśla. Prace należące do tych kierunków są zazwyczaj tworzone w celu zwrócenia uwagi publiczności na problemy społeczne i kulturowe lub skomentowania ich w jakiś sposób.
3. Tworzenie obrazów 3D
Ten rodzaj sztuki jest czymś w rodzaju przeciwieństwa do poprzedniego. Jego sens polega na tworzeniu kompozycji z rzeczywistych przedmiotów i ludzi, a następnie nakładaniu na nie farb lub makijażu, aby upodobnić je do malowanych przedmiotów. Oczywiście, takie prace nie mogą pozostać „żywe” na długo, dlatego są fotografowane i pokazywane w galeriach internetowych. Dotyczy to również malowania złudzeń optycznych, takich jak realistyczne rysunki twarzy lub iluzje body art.
4. Instalacje
Instalacje są dziełami sztuki, które angażują również widzów, często wykorzystujących gotowe materiały (przedmioty naturalne, przedmioty codziennego użytku itp.) połączone w określony sposób. Ze względu na możliwość oglądania pod różnymi kątami zawierają one „grę zmysłów” (możliwość nadania im różnego znaczenia). Niektóre z nich zawierają filmy wideo, co sprawia, że są powiązane z kinematografią: na przykład fragmenty filmów są wyświetlane na przedmiotach lub ścianach. Co daje nam możliwość zaliczyć ten rodzaj sztuki również do affordable art.
5. Sztuka cieni
Jest to tworzenie pewnych rodzajów cieni poprzez konstruowanie pozornie abstrakcyjnych kształtów z dowolnych możliwych materiałów (być może czytałeś o tym w „Fight Clubie” Chucka Palahniuka, jest tam taki epizod, w którym Tyler Durden tworzy cień wielkiej ręki za pomocą kłód). Najczęściej takie dzieła zajmują się tematyką środowiskową i społeczną (jak cienie wymarłych zwierząt wykonane przez postaci z plastikowych butelek i śmieci, przedstawiające skutki zanieczyszczenia środowiska), choć niektóre z nich tworzą prace o tematyce ze znanych horrorów lub są po prostu bajkowe.
6. Sztuka podziemna
Ten rodzaj sztuki obejmuje różne jej rodzaje, a nie tylko znane graffiti. Obecnie jest to również tzw. graffiti odwrotne, kiedy obraz od artysty powstaje na brudnych ścianach, gdzie nie ma brudu tylko w określonych miejscach, właśnie tam powstają dzieła. Wiąże się to również z readymade (używaniem przedmiotów codziennego użytku do tworzenia dzieł artystycznych lub pokazywaniem ich jako takich) i wspomnianą już wyżej anamorfozą; w sumie może to być niemal wszystko, co zazwyczaj wiąże się z życiem ulicznym i sprawia wrażenie prawie nielegalnego. W każdym razie „prawie” nie oznacza, że taka sztuka jest nielegalna: praktycznie wszyscy zgodziliby się, że ściany i ogrodzenia ze wspaniałymi obrazami tworzonymi najczęściej za pomocą sprayu mogą (od tych odzwierciedlających problemy społeczne do ilustrujących historię miejsca, w którym się znajdują) wyglądać znacznie lepiej niż zwykłe szare ściany. Poza tym wiele wschodzących gwiazd sztuki współczesnej rozpoczynało swoją karierę od sztuki undergroundowej, dlatego że właśnie taka sztuka jest naprawdę „affordable art” i nie ma osoby, która by z przyczyn finansowych nie mogłaby ją docenić.
7. Niezwykłe rzeźby
W dzisiejszych czasach nie tylko kamień, drewno czy metal są wykorzystywane jako materiały do rzeźb. Sztuka tworzenia rzeźb z piasku i lodu stała się ostatnio bardzo popularna, przede wszystkim dlatego, że można je utrwalić na dłużej za pomocą specjalnych mieszanek. Piasek i lód są również bardzo delikatnymi materiałami, co oznacza, że pozwalają one na dodanie większej ilości szczegółów podczas „rzeźbienia”. Poza tym, niektórzy artyści używają przedmiotów codziennego użytku (plastikowe butelki lub opakowania), do tworzenia swoich dzieł: na przykład gigantycznych figurek ryb (kolejny hołd w stronę tematów ekologicznych).
Wymieniliśmy podstawowe i najbardziej znane rodzaje sztuki współczesnej. Wracając do stwierdzenia, że sztuka nowoczesna tworzona jest tu i teraz, śmiało można ją zaliczyć do affordable art, no i oczywiste jest niezbyt długotrwała. Dlatego większość takich dzieł pozostaje tylko na zdjęciach i w galeriach internetowych, gdzie może podziwiać je szeroka publiczność. Jeśli chodzi o prace tworzone w bardziej „klasyczny” sposób, to takie dzieła również można kupić online, ale już nie zawsze są to „affordable artworks”.
Tak czy inaczej, kolejną cechą szczegółową sztuki współczesnej jest to, że nie istniałaby ona bez nowoczesnych technologii i galerii internetowych. I tu warto wspomnieć, że w galerii Art4Love.pl można kupić obrazy, które mogą przetrwać nawet setki lat, ponieważ są wykonane w sposób bardzo tradycyjny, czyli są ręcznie malowane, dlatego nawet Twoje wnuki będą mogły je podziwiać.
